Charlas creativas: ¿Es mejor ser innovador o ser comprendido?

Post is also avalible in:

¿Una de las cualidades más destacadas de un buen diseñador gráfico? Creatividad. No es de extrañar. Como artista que intenta hacerse notar, tienes que aportar algo fresco a la mesa sobresaturada de la industria de «ya hemos visto esto antes». La pregunta es… ¿Hasta dónde puedes llegar antes de que tu audiencia no tenga idea de lo que están viendo? Mientras persigues esa idea fresca y llamativa… Su cliente solo quiere algo que sea «limpio, moderno y fácil de entender». (Conoces la vibra).

Parece que a veces tienes que elegir entre tu corazón y el briefing del cliente. ¿Te quedas con lo que sabes que funciona? ¿O sigues tus instintos y te arriesgas creativamente? Ese es el tema de nuestra 11ª Creative Talks, en la que hemos convocado a cuatro increíbles creativos para que compartan sus opiniones sobre las siguientes preguntas:

1. ¿Puedes compartir un momento en el que probaste un diseño nuevo y atrevido? ¿Cómo reaccionó tu audiencia o cliente?
2. ¿Cómo decides si probar algo nuevo o quedarte con lo que funciona?
3. ¿Qué consejo le darías a los nuevos diseñadores sobre cómo equilibrar las ideas creativas con una comunicación clara?

Si eres nuevo aquí, Creative Talks es una serie en la que nosotros, Approval Studio, presentamos a creativos y compartimos sus experiencias de la vida real con nuestros lectores. Entonces, dejemos de perder el tiempo y pasemos a la parte más intrigante: las respuestas de los creativos.

Kateryna Bilak – Diseñadora gráfica independiente

Behance de Kateryna e Instagram

Una vez me asignaron la tarea de crear un nuevo folleto introductorio para la Facultad de Diseño Gráfico, donde estaba estudiando. Estaba decidida a poner todas mis habilidades y conocimientos adquiridos en ello, pero también a aportar algo fresco, nuevo e inusual, algo que no fuera aburrido, sino atractivo y expresivo, ¿sabes?

La solución principal que utilicé para dar vida a esta idea fue crear ilustraciones con mi propio estilo, dinámico pero sencillo, para casi todo el contenido del folleto, con la única excepción de algunas fotos. También elegí usar solo tres colores: blanco y negro básico, y naranja brillante. Todo esto hizo que el folleto se viera muy gráfico, minimalista y caricaturesco, el resultado que buscaba.

Al principio, al personal de la facultad no le gustó la idea de que el folleto fuera tan performativo y ruidoso. Pensaron que podría distraer a los lectores de su propósito principal. Pero más tarde, en comparación con los diseños sugeridos por otros estudiantes, mi trabajo realmente se destacó. La cuestión era que, si bien las otras obras estaban bien hechas, terminaron siendo bastante poco interesantes, convencionales y sobrecargadas de texto, no exactamente el tipo de cosas que esperarías de un departamento de diseño.

Fue entonces cuando el personal de la universidad se dio cuenta de que mi trabajo no solo ofrecía una solución práctica, sino que también expresaba una idea, una visión de lo que puede ser el diseño y lo que puede hacer por quienes ingresan al programa. Lo que pueden ser y hacer.

El diseño de mi folleto se utilizó para el evento de Puertas Abiertas, y realmente espero haber logrado inspirar a algunos estudiantes nuevos a explorar su potencial.

[Cuando decido entre algo nuevo y algo que funciona], siempre me esfuerzo por crear algo único pero comprensible en mi trabajo. Me gusta hacer arte que la gente pueda usar. Esencialmente, de eso se trata el diseño. Esto nos lleva a la pregunta: «¿Cómo se utilizará exactamente mi trabajo?»

Diseñar siempre tiene una razón, y en base a esa razón, puedes decidir si probar algo nuevo y audaz, o si es mejor no exagerar. Tus clientes pueden proporcionarte toda la información necesaria para ayudarte a entender el propósito de tu diseño. Pero no siempre están abiertos a la experimentación, incluso si podría desempeñar un papel crucial en la mejora de su proyecto. En tales casos, es tu trabajo mostrarles las oportunidades que tu trabajo puede ofrecer.

Es importante entender si tus ideas son apropiadas o no. Puedes hacerlo analizando la audiencia del proyecto, sus objetivos y cuánto confía el cliente en tus decisiones. ¡Eso funciona para mí!

Mi consejo para [los nuevos diseñadores] sería que no olviden que todo lo que hagan en su diseño debe tener sentido. Las imágenes y el mensaje deben correlacionarse en todos los aspectos de tu trabajo, lo que garantiza una comunicación clara.

Si puedes amplificar el mensaje de formas nuevas, interesantes y creativas, ¿por qué no lo intentas?

Pero si esas ideas audaces no transmiten el mensaje y se encarnan solo por el hecho de hacerlo, en realidad pueden obstaculizar la creación de un diseño significativo.

Yuliia Kotsar – Diseñadora gráfica

Behance y sitio web de Yuliia

Probablemente, la mejor opción para estas preguntas es mi reciente proyecto para la marca ArteFrost. Es una marca de té frío con un concepto realmente interesante: cada bebida corresponde a un tipo específico de consumidor. Creé cuatro etiquetas para ellos, cada una representando a grupos como el arribista, el rebelde, el hedonista y el activista.

Lo mejor fue que el cliente me dio total libertad. No hay restricciones en absoluto: «hazlo como te sientas». Y me dediqué a todo: colores brillantes, imágenes un poco extravagantes, cada etiqueta tiene su propio carácter. La reacción fue muy positiva. El cliente estaba emocionado, dijo que las etiquetas parecían «cobrar vida» y realmente transmitían la idea de la marca. La respuesta de la audiencia fue excelente: muchas personas escribieron cosas como «esto soy totalmente yo». Era un riesgo, pero valió la pena.

[Decidiendo qué camino tomar,] Siempre empiezo con un análisis de la tarea y de la audiencia. Si se trata de un proyecto en el que la intuición y la percepción rápida son clave, a menudo es mejor ceñirse a enfoques probados para evitar complicar la interacción. Pero si se trata de algo sobre vitalidad, emociones, reconocimiento, como ArteFrost, entonces definitivamente intentaré algo nuevo. Era simplemente un crimen no ser creativo allí.

También tengo en cuenta la reacción del cliente: si está abierto a nuevas ideas, da más libertad. Pero incluso cuando hay ciertas limitaciones, puedes encontrar un equilibrio agregando algo nuevo dentro de una estructura familiar. La clave es que no solo sea «hermoso», sino que funcione.

Mi principal consejo es recordar siempre la función del diseño. La creatividad está muy bien, pero si el diseño no sirve a la comunicación, pierde su sentido. Por lo tanto, antes de agregar algo nuevo, es importante preguntarse: «¿Esto ayuda a transmitir mejor la idea?»

Otra cosa importante es estudiar las referencias. Investiga cómo otros diseñadores integran soluciones innovadoras en conceptos claros. Y no tengas miedo de probar cosas: a veces la mejor manera de encontrar el equilibrio es probar algunas opciones y ver cuál funciona mejor.

Hablando de integrar soluciones innovadoras, aquí hay una para simplificar su proceso de aprobación de diseño. Esa es la herramienta de revisión en línea de Approval Studio. Te permite compartir diseños, dejar anotaciones directamente en las imágenes, comparar versiones en 4 modos diferentes y mantener a todo el equipo en la misma página (y en la misma línea de tiempo). Se acabó el caos de «¿Es esta la versión final?». Solo aprobaciones más fluidas, plazos de entrega más rápidos y menos correos electrónicos pasivo-agresivos.

Ya sea que esté diseñando con su corazón, su encargo o una combinación salvaje de ambos, Approval Studio lo respalda.

Daniela Barrio de Mendoza – Directora de Arte

Daniela’s Behance y sitio web

Fue un proyecto muy interesante del programa de maestría, parte de un curso impartido por el fundador de Intertype Studio. Aunque no se trataba de un cliente o encargo real, diseñamos algo completamente fuera de lo común para la categoría de bebidas alcohólicas. Fue un proyecto desafiante y divertido, ya que tuvimos que cambiar la marca y diseñar el empaque de una marca de tequila mexicano… Y el problema fue que tuvo que hacerse en solo 3 días, ¡basado en un proceso completamente nuevo del estudio!

Tanto las personas que lo vieron como el propio profesor quedaron impresionados. No podían creer que algo así se hubiera logrado en tan poco tiempo, y mucho menos con una idea y un diseño tan poco convencionales. ¡Y un resultado encantador fue que terminó como finalista en los Pentawards 2024!

Fue increíblemente motivador y solo nos hizo querer seguir diseñando proyectos con ese tipo de potencial y libertad creativa. Muy refrescante para cualquier creativo.

A medida que avanzamos en todo el proceso de diseño (briefing, lanzamiento, investigación de mercado, auditorías, etc.), comenzamos a comprender mejor a la audiencia y podemos extraer información y reconocer más claramente sus comportamientos y decisiones de compra. Es entonces cuando empezamos a tomar decisiones visuales, siempre expresando el concepto de marca y hablando el idioma del público objetivo.

No es funcional ni estratégico crear un diseño altamente disruptivo que rompa los códigos de las categorías si el público no lo entiende.

Pero luego está la otra cara de la moneda: si nosotros, como diseñadores, no empezamos a arriesgarnos… Entonces, ¿quién lo hará? Esto puede sonar un poco cliché, pero te animo a que sigas la intuición de tu diseñador. ¡Todos lo tenemos! Pero a veces se necesita práctica para aprender a escucharlo, a entenderlo y a no tener miedo cuando nos lleva por un camino opuesto a lo que pensábamos originalmente.

Sin embargo, seamos honestos, también hay clientes que acuden a nosotros con una idea muy fija en mente, con referencias sólidas y conceptos establecidos. Siempre que tengamos la libertad creativa y estemos dispuestos a persuadir y, a menudo, educar al cliente utilizando el lenguaje del diseñador, entonces vamos a sumergirnos. Si ese no es el caso, también está bien tomar la ruta más tradicional y segura. Los proyectos más distintivos y de espíritu libre llegarán con el tiempo.

[En cuanto al consejo,] Entiendo perfectamente lo confuso que puede ser para cualquier diseñador, especialmente para aquellos que piensan en imágenes y se comunican a través de métodos visuales, no perder de vista el mensaje original en favor de la estética o la experimentación.

Pero necesitamos entrenar el juicio de nuestro diseñador y aprender a encontrar el equilibrio entre «lo que hacemos y lo que decimos». Lo sé, puede sonar un poco psicológico, ¿verdad? Pero lo que quiero decir es que nuestro lenguaje visual y nuestras técnicas de diseño siempre deben alinearse con el mensaje central que hay detrás. El diseño va más allá de la estética: debe ser funcional y cumplir un propósito. (Por supuesto, estoy hablando aquí de proyectos basados en el cliente, porque el diseño también puede ser una forma de expresión).

Un diseño bonito no hará mucho por tu cliente si el mensaje no es claro o se pierde. Y seamos honestos: hay tanta subjetividad en el diseño que constantemente tenemos que preguntarnos: ¿Entiendo esto solo porque lo hice? ¿Mi audiencia también lo entendería? ¿Lo entendería mi mamá? Tal vez estas no sean preguntas que nos hacemos a menudo, especialmente cuando nuestro amado ego creativo quiere tomar la iniciativa. A veces, ese ego no nos deja ver que el mensaje no está llegando con claridad, o que el diseño, incluso si nos parece único, puede que no esté haciendo el trabajo que necesita.

Pero esa es probablemente otra conversación…

Volviendo al punto principal: no perdamos de vista el mensaje central solo por el bien de la estética. Ese es nuestro trabajo (e incluso diría que es un desafío diario): encontrar el equilibrio entre la belleza, la función y el valor comercial.

¿Cómo podemos hacer eso? ¡Al ver toneladas de referencias! Y no solo en Pinterest: mira películas, ve a conciertos y observa cómo reacciona emocionalmente la gente. Presta atención a cómo se sienten y responden. Esa conexión nos ayuda a entender nuestros proyectos a un nivel más profundo.

Al final, la marca y el empaque son emocionales, crean experiencias memorables. Y para diseñarlos bien, necesitamos entender esas emociones para comunicarlas de la mejor manera posible.

Violetta Derlemenko – Diseñadora gráfica e ilustradora

Behance y regate de Violetta

A lo largo de los años, mi estilo artístico se ha convertido en algo exclusivamente mío. Ha sido moldeado naturalmente por mis experiencias, mis inspiraciones y las innumerables horas que he pasado creando. Siempre me han fascinado los personajes audaces, expresivos y memorables, ese tipo de imágenes que llaman la atención y mantienen la atención, lo que hace que quieras mirar más de cerca y explorar cada detalle.

Todavía recuerdo haber tomado mi primer curso de diseño gráfico. El instructor dijo algo que se me quedó grabado: no importaba cuán diferentes fueran mis obras en tema o estilo, siempre podía reconocer mi toque característico. Ese comentario se quedó conmigo y, con el tiempo, empecé a entender lo que quería decir. Mi estilo no se trata de ceñirme a una estética, sino de cómo veo e interpreto el mundo.

Pero como cualquier creativo sabe, hacer lo mismo una y otra vez, incluso si es tu pasión, puede comenzar a sentirse repetitivo. Llegó un momento en el que me di cuenta de que ceñirme demasiado a mi enfoque «habitual» me estaba limitando. Así que tomé la decisión consciente de experimentar más. Empecé a probar diseños minimalistas, luego me empujé en la otra dirección con composiciones muy detalladas. Salí de mi zona de confort, incluso cuando no estaba segura de cómo sería recibido.

Para mi sorpresa, mi público respondió positivamente. La gente apreció la variedad y la asunción de riesgos. Pero honestamente, incluso si no lo hubieran hecho, lo habría hecho. Porque al final del día, creo no solo para complacer a los demás, sino para desafiarme a mí misma, crecer y mantenerme conectada con la alegría del proceso. El arte, para mí, tiene que ver con la evolución constante.

Una de las lecciones más importantes que he aprendido es esta: no tengas miedo de probar algo nuevo. Ya sea que se trate de un estilo que nunca antes has probado, una herramienta con la que no estás familiarizado o una dirección de diseño completamente diferente, todo es parte de tu viaje. Cada experimento, cada fracaso, cada pequeño éxito se convierte en un bloque de construcción.

El crecimiento creativo no ocurre en línea recta. A veces los proyectos que más te asustan son los que llevarán tu trabajo al siguiente nivel. Si quieres prosperar en el diseño, tienes que ser flexible. Necesitas explorar diferentes enfoques, no solo para el desarrollo profesional, sino también para tu propia inspiración. De lo contrario, es fácil agotarse o sentirse creativamente atascado.

Si pudiera compartir algunos consejos que me ayudaron personalmente, serían:

Mantenga un cuaderno de bocetos y úselo a diario.

Dibuja todo: tu entorno, tus emociones, las cosas que despiertan tu curiosidad. El cuaderno de bocetos es tu patio de recreo creativo. No aspires a la perfección. Que sea desordenado, imperfecto, crudo. La libertad de cometer errores es esencial. Con el tiempo, este hábito diario se convierte en un tesoro de inspiración: te encontrarás volviendo a páginas antiguas y sacando ideas de ellas para tus futuros diseños.

Piensa estratégicamente a la hora de construir tu cartera.

Antes de crear nuevas piezas, pregúntate: ¿Con quién quiero trabajar? ¿Qué tipo de clientes o industrias me entusiasman? A continuación, crea diseños que les hablen directamente. Es mejor tener 3 proyectos muy detallados y reflexivos que 10 genéricos. Haz que cada pieza cuente. Si aún no tienes trabajo real con un cliente, busca resúmenes de diseño en línea: hay muchas páginas y plataformas de Instagram que publican desafíos semanales. Son una forma estupenda de desarrollar tus habilidades y hacer que los demás vean tu trabajo.

Empieza a aceptar proyectos de clientes aunque estés nervioso.

Todo el mundo empieza en algún lugar. No tengas miedo de tus primeros encargos. Sé profesional, pero también honesto. Está bien hacerle muchas preguntas a un cliente, demuestra que te importa hacerlo bien. Si algo no está claro, vuelve a preguntar. La comunicación clara lo es todo. Los clientes apreciarán su atención al detalle y su voluntad de comprender su visión.

Reflexiones finales

Así que… ¿Es mejor ser innovador o ser comprendido?

Bueno, resulta que la mejor manera de evitarlo es el término medio : tienes que maniobrar la creatividad con claridad. Como compartieron nuestros diseñadores destacados, la clave es comprender a la audiencia y mantenerse conectado con el mensaje principal. La audacia es genial, pero solo funciona si el diseño se comunica de manera efectiva. Y recuerda: el diseño no se trata solo de crear algo hermoso, se trata de hacer que algo funcione. ¿El briefing del cliente y tu instinto creativo? No tienen por qué ser enemigos. El secreto es saber cuándo superar los límites y cuándo introducirlos.

Un gran agradecimiento a nuestros increíbles creativos por mantener la realidad y compartir su sabiduría con nosotros. Sus viajes nos recuerdan que, si bien la creatividad es el alma del diseño, la claridad es lo que realmente hace que resuene.

¿Te apetece compartir tu experiencia? ¡Nuestras puertas están abiertas de par en par para todos los creativos que quieran aparecer en las siguientes charlas creativas! Solo tienes que ponerte en contacto con nosotros a través de [email protected].

¡Hasta la próxima, y que las probabilidades estén siempre a tu favor!