Flux de travail des bandes dessinées : comment les bandes dessinées sont-elles créées ?

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Dernière mise à jour : mars 2026

Bonne Journée internationale de la bande dessinée (qui a eu lieu le 25 septembre. On est en retard, on sait) !

Quoi qu’il en soit… il n’y a pas de meilleure façon de célébrer ça que de te montrer un petit aperçu des coulisses (ou devrais-je dire, derrière les cases) de la création de bandes dessinées. Alors, comment fabrique-t-on des comics ?

Depuis que je suis tout petit, je m’intéresse aux bandes dessinées. Je veux dire, qui ne l’était pas ? J’ai encore toute une pile de bandes dessinées de Donald Duck chez mes parents et quelques autres sur mon étagère juste à côté de moi. Cependant, l’intérêt s’est accompagné de nombreuses questions. Comment les artistes les fabriquent-ils ? Puis-je en créer un aussi ? Que dois-je faire en premier ? Serai-je capable de le faire tout seul ? Ceux-ci et bien d’autres encore surgissaient dans ma tête comme du pop-corn fraîchement préparé. Et maintenant, après quelques recherches, je peux vous dire, à vous et à mon ancien moi enfantin, tous les secrets du flux de travail des bandes dessinées.

Qu’est-ce qu’une bande dessinée ?

Je crois que comprendre la définition et la structure de la bande dessinée est la première étape pour appréhender le processus de création de bande dessinée.

Vous savez probablement que la bande dessinée est une forme d’art, mais, pour être plus précis, elle est définie comme une forme d’« art ultérieur ». Je sais que beaucoup de gens pensent aux films ou aux animations lorsqu’ils entendent l’expression « art ultérieur », et ils ont tout à fait raison – c’est une partie d’eux. Les bandes dessinées en sont un autre. Et je crois que nous devrions clarifier ce qu’est l’art ultérieur avant d’aller de l’avant.

« Subsequent » signifie ce qui suit dans le temps, l’ordre ou l’espace. Pour le dire simplement : si tu dessines une image, tu obtiens une illustration ; mais si tu dessines deux images successives l’une à côté de l’autre, tu obtiens une bande dessinée séquencée ; et si tu montres ces images successives l’une après l’autre dans le même espace, tu obtiens un film.
On pourrait même dire que la bande dessinée est une grande sœur du film ou de l’animation, car l’une des plus anciennes bandes dessinées a été peinte il y a 32 siècles pour la tombe de « Menna » (d’après « Understanding Comics: The Invisible Art » de Scott McCloud).

Ainsi, les principales parties de la diffusion standard de la bande dessinée sont :

• Panneau – est une illustration d’un moment qui montre généralement un endroit dans la chronologie. Selon Ira Marcks, il pourrait être divisé en 4 sous-éléments (« Drawing Comics : A Beginner’s Guide ») :
  • Cadre – une lentille (pas une boîte) à travers laquelle vous voyez votre personnage. On pourrait le comparer à la fenêtre sur le monde de vos personnages.
  • Bulles de dialogue – texte sur la planche qui comprend les dialogues et d’autres éléments descriptifs. Il a généralement une queue et est placé derrière le personnage mais au-dessus de l’arrière-plan.
  • Personnages – les héros principaux et secondaires de l’histoire. Pour la plupart, tout ce qui est « vivant » et impliqué dans l’intrigue.
  • Paramètres – moment et lieu de vos bandes dessinées. C’est dans cet environnement que votre histoire se déroule et évolue.
• Mise en scène : c’est la façon dont vous organisez les sous-éléments sur la case de la bande dessinée.
• Gouttière – est un espace entre les cases de la bande dessinée.

Propagation à partir des Watchmen avec tous les éléments de la page de bande dessinée mis en évidence.

Le dernier élément significatif qui ne fait pas partie de la double page mais qui influence la façon dont les comics dessinés sont perçus, c’est la closure. La closure, c’est la capacité du cerveau à combler les trous, dans notre cas, les gouttières (gutters).
Imaginons : dans une case, on voit un téléphone qui sonne, et dans la case suivante, un personnage lance ce téléphone contre le mur. À ce moment-là, notre cerveau utilise la closure pour imaginer que le personnage a décroché le téléphone et l’a fracassé.
Ce qui est intéressant : est-ce que le personnage a parlé au téléphone avant de le jeter ? Personne ne le sait. C’est précisément là que les lecteurs s’engagent activement dans le récit, parce que c’est à eux seuls de décider ce qui s’est passé entre les cases.

Étapes de la création d’une bande dessinée

Avec tout cela mentionné, passons à la partie suivante de cet article – le flux de travail des bandes dessinées.

Que tu sois un artiste solo ou toute une équipe de créateurs, ces étapes peuvent s’entremêler ou être décalées. Bien sûr, en tant que créateur de bande dessinée solo, tu dois passer par les étapes les unes après les autres, alors qu’une équipe peut travailler sur plusieurs étapes en même temps.
De plus, dans les grandes entreprises, c’est une norme de l’industrie d’avoir des personnes distinctes pour chaque étape. Par exemple, le scénariste, le dessinateur (sketcher), l’encreur (inker), le lettreur, et ainsi de suite, sont tous responsables de leur partie du flux de travail.
Dans un processus de bande dessinée moins étendu, le duo scénariste et dessinateur est aussi très courant : l’un s’occupe de l’histoire et l’autre des visuels.

Les 7 étapes suivantes ne sont qu’un aperçu de la création de la bande dessinée typique.

• Écriture
• Esquisse
• Encrage
• Coloration
• Lettrage
• Édition
• Post-production

Écriture

Tout commence par quelques mots ou une simple idée. L’écriture (ou la création d’un concept) est la première étape qui définit le sujet de votre bande dessinée et les personnages et les décors. C’est aussi la partie où vous comprenez l’intrigue et la façon dont toute l’histoire va se dérouler et se développer aux yeux du lecteur. Je crois que cette étape offre la plus grande liberté créative car vous partez de la page blanche, où tout peut arriver à n’importe quel moment sans aucune restriction.

« L’intrigue de la bande dessinée, comme dans toute autre forme d’art narratif, est généralement composée de trois étapes. La première est l’introduction des personnages, des décors et de l’ambiance. La deuxième étape est centrée sur le développement du personnage, les défis et se termine par un point culminant. Enfin, la troisième étape est une résolution post-climax qui montre ce que les personnages ont appris en cours de route.

Neil Gaiman pour Masterclass

Une fois que tu as terminé d’écrire ton histoire, le scripting entre en jeu. Il existe deux principales façons de préparer ton histoire pour l’étape suivante dans cette industrie créative : le full script et le plot script.
Le full script (aussi appelé DC-style) ressemble à une feuille de route très détaillée de l’histoire, très proche des scripts de films où chaque mouvement et chaque nuance est décrit.
D’un autre côté, le plot script (aussi appelé Marvel-style) est un synopsis de l’histoire, où les artistes travaillent sur les éléments plus petits au fur et à mesure qu’ils dessinent la bande dessinée, et ce n’est qu’après que les artworks sont terminés que le scénariste intervient pour ajouter les dialogues.

« Je commence toujours un projet en trouvant la fin. C’est un effort sérieux, et il faut du temps pour jouer avec les personnages et imaginer un voyage. Ce n’est pas difficile, et d’habitude, la fin arrive dans un moment d’inspiration émotionnelle, mais je dois l’attendre… parce que jusqu’à ce que cela se produise, je ne sais pas si l’histoire vaut la peine d’être racontée. Ce n’est qu’alors que je reviens en arrière et que je remplis un plan qui guidera les personnages de la bande dessinée et que je construirai cette conclusion.

Jeff Smith pour Comic Alliance

Esquisse

Avec le script final comme base pour les artworks, le processus de croquis commence. Il est courant de démarrer par le thumbnailing des cases, des gouttières et de la mise en scène. La plupart des artistes travaillent sur des variantes d’idées et réalisent plusieurs versions de la même double page pour obtenir la meilleure représentation visuelle du rythme et du développement de l’intrigue.
Cependant, certains artistes sautent l’étape du thumbnailing et se lancent directement dans l’illustration de toute la bande dessinée, en travaillant la composition au fur et à mesure.
En somme, le croquis est l’endroit où les mots se transforment en images.

« Eh bien, la première chose que je fais, c’est soit que j’ai un script complet que j’ai écrit, soit que j’ai reçu un script de quelqu’un d’autre. Et je fais des vignettes à partir de ce script. Puis je m’assois pour crayonner. J’ai coupé mon papier à la bonne taille, and I’ve ruled out the image area with a T square, pencil, and ruler. Une chose qui, je pense, est peut-être un peu sous-estimée quand on parle du pencil (du crayonné), c’est le processus de design. Chaque personnage de bande dessinée, chaque décor de bande dessinée, tous les costumes, tous les accessoires doivent d’abord être conçus. Et c’est exactement ce à quoi je fais référence quand je crayonne chaque case de cette scène.

Eric Shanower pour Coursera

Encrage

Beaucoup de gens imaginent l’encrage comme le traçage. Eh bien, ce n’est pas tout à fait vrai, car les encreurs ne tracent pas précisément le croquis, mais font plutôt un nouveau dessin par-dessus. À ce stade, les artistes parcourent leurs croquis, corrigent les éventuelles erreurs de dessin, éliminent les éléments inutiles, travaillent sur les détails ainsi que sur la lumière et l’ombre. L’encrage est généralement considéré comme un raffinement de l’esquisse. Il est essentiel de se rappeler qu’il fait la première impression car l’encrage représente le style dans lequel vous travaillez.

« Pour moi, le rôle principal de l’encreur est de prendre les crayons et de les rendre clairs et lisibles. Lorsque vous avez terminé avec la page, elle devrait pouvoir se tenir debout toute seule en noir et blanc avant que les couleurs ne soient ajoutées. Vous voulez toujours amplifier ce que le dessinateur met sur la page. Vous essayez de trouver quels sont les points forts du dessinateur, de construire sur cela et d’essayer d’aider à adoucir les parties les plus faibles.

Mark Morales pour Comics Beat

Coloration

Les artistes colorient le dessin au trait fini à une étape distincte pour utiliser les couleurs afin d’intensifier et de « couronner » la pièce déjà terminée. De plus, de nombreux artistes utilisent la conception des couleurs pour créer une ambiance ou mettre en valeur le panneau. Imaginez avoir une bande dessinée en noir et blanc avec seulement quelques objets colorés contribuant au rebondissement de l’intrigue. La couleur, dans ce cas, raconte une histoire par elle-même, faisant ressortir les éléments sans même lire les bandes dessinées. Parfois, des couleurs et des palettes de couleurs limitées sont utilisées comme signature du coloriste. Bien sûr, la coloration est une étape facultative pour de nombreux artistes en noir et blanc pour des raisons évidentes.

« Je lis toujours le script pour voir si le scénariste a des notes de couleur dessus et pour avoir une idée de l’ambiance de chaque scène. Je décompose ensuite l’histoire en scènes et je crée une palette pour chacune. Je m’assure que les palettes diffèrent pour que le lecteur de bandes dessinées puisse savoir immédiatement que la scène et/ou le temps ont changé. En ce qui concerne l’inspiration, certaines palettes de couverture et de scène me viennent immédiatement, et d’autres prennent du temps et même de l’expérimentation pour s’assurer qu’elles fonctionnent.

Alex Sinclair pour Adobe

Lettrage

Et la dernière pièce du puzzle de la création de la bande dessinée est le lettrage. Quelle que soit la qualité du dessin au trait et de la coloration, certaines questions sont mieux transmises par les mots. À ce stade, les lettreurs ajoutent tout le texte que vous voyez dans les bandes dessinées : dialogues, descriptions et CRASHes ou WHOOSHes engageants. Ce qui a un impact énorme, c’est que les images et les lettres coexistent dans les bandes dessinées, ajoutant du sens et de la dimension les unes aux autres. C’est pourquoi les lettreurs travaillent en étroite collaboration avec les artistes et les écrivains pour préserver cet équilibre.

« Le lettrage n’est pas invisible. Le lecteur regarde directement le lettrage la plupart du temps pendant qu’il lit une bande dessinée. Donc, plus c’est cohérent, plus le lecteur peut être absorbé facilement par ce qui se passe dans le livre, sans remarquer ce que nous avons fait pour faciliter cela – comment les placements les guident à travers la page, guidant d’une scène à l’autre. Nous faisons en sorte qu’il soit plus facile pour le lecteur d’accepter le lettrage sans hésiter afin que nous puissions abaisser la barrière entre le script et l’art.

Ariana Maher pour Comics Bookcase

Édition

Une fois les étapes précédentes terminées, vous devriez avoir une bande dessinée terminée entre vos mains ou sur l’ordinateur. Enfin, presque terminé. Même si le montage est empêtré dans tous les aspects de la création de la bande dessinée (vérification de l’écriture ou encrage du croquis), le montage final est celui qui demande le plus de travail. Les artistes passent en revue chaque case, chaque mot, chaque dessin pour s’assurer que tout est une représentation valide de ce qu’ils veulent, sans aucune erreur stupide.

« Il y a beaucoup d’hybrides de processus, je pense. 80% du travail se fait avant même qu’un crayon ne touche le papier sur la table à dessin. Ainsi, faire une bande dessinée nécessite quelques années d’écriture à temps partiel, laissant les choses émerger naturellement, devenant lentement un peu plus concentré. Ensuite, en gros, j’ai fait des croquis très approximatifs de chaque page du livre entier pour avoir une idée de la portée, de l’échelle, de la taille. Chaque page que vous lisez représente environ 5 pages de travail.

Nate Powell pour WTIU

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Post-production

Je sais, je sais que la post-production est un terme cinématographique, mais il résume parfaitement ce que je m’apprête à décrire à ce stade de la création de bandes dessinées. Une fois que votre précieux bébé est fini, il est temps de le partager avec le monde. L’impression, la distribution, le marketing, les campagnes en ligne, le partage sur votre Instagram – tout cela est la post-production qui aide les gens à découvrir et à lire vos bandes dessinées. Fondamentalement, c’est un moyen pour les bandes dessinées de voyager de votre tiroir jusqu’aux mains du lecteur de bandes dessinées. Cette étape n’est pas aussi créative que les précédentes mais, à mon avis, elle est très nécessaire pour diffuser votre art.

Ressources et inspirations utiles

J’ai décidé d’inclure une liste de ressources remplies d’informations utiles sur le monde de la bande dessinée.

• Cours de création de bandes dessinées – ici
• Comics Archive – ici
• Le Comic Journal – ici
• Comment dessiner des bandes dessinées – ici

De plus, l’équipe d’Approval Studio a choisi ces 6 meilleures bandes dessinées que nous pensons être époustouflantes et qui valent le coup d’œil !

Réflexions finales

Malheureusement, la visite des coulisses touche à sa fin. Comme vous pouvez le constater, la bande dessinée, comme tout art ultérieur, a la capacité inhabituelle de raconter l’histoire à travers un mélange unique de mots et de dessins. Plus important encore, le processus de création de bandes dessinées en 7 étapes montre à quel point les créateurs de bandes dessinées consacrent beaucoup de travail et d’efforts en une seule fois, sans parler de l’ensemble de la bande dessinée. Cependant, ce qui ne m’impressionne jamais, c’est que les lecteurs prennent également une part active à la renaissance de l’histoire, ce qui en fait une partie indissociable des bandes dessinées.

J’espère que cet article vous a inspiré à lire quelques bandes dessinées ou même à en créer une vous-même.

Comme toujours, nous serions ravis d’entendre vos commentaires sur cet article, et si vous êtes intéressé par Approval Studio, nous serons heureux de répondre à toutes vos questions ici.

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