Discussions créatives : vaut-il mieux être innovant ou compris ?

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L’une des qualités les plus importantes d’un bon graphiste ? Créativité. Ce n’est pas une surprise. En tant qu’artiste qui essaie de se faire remarquer, vous devez apporter quelque chose de nouveau à la table sursaturée de l’industrie du « nous avons déjà vu cela ». La question est… Jusqu’où pouvez-vous aller avant que votre public n’ait aucune idée de ce qu’il regarde ? Pendant que vous poursuivez cette idée fraîche qui fait tourner les têtes… Votre client veut simplement quelque chose de « propre, moderne et facile à comprendre ». (Vous connaissez l’ambiance).

Il semble que vous deviez parfois choisir entre votre cœur et le brief du client. Vous en tenez-vous à ce que vous savez fonctionner ? Ou suivez-vous votre instinct et prenez-vous un risque créatif ? C’est le sujet de notre 11e Creative Talks, où nous avons réuni quatre créatifs exceptionnels pour partager leurs réflexions sur les questions suivantes :

1. Pouvez-vous nous raconter un moment où vous avez essayé un nouveau design audacieux ? Comment votre public ou votre client a-t-il réagi ?
2. Comment décidez-vous d’essayer quelque chose de nouveau ou de vous en tenir à ce qui fonctionne ?
3. Quels conseils donneriez-vous aux nouveaux designers pour trouver un équilibre entre les idées créatives et une communication claire ?

Si vous êtes nouveau ici, Creative Talks est une série où nous, Approval Studio, présentons des créatifs et partageons leurs expériences réelles avec nos lecteurs. Alors, arrêtons de tergiverser et passons directement à la partie la plus intrigante : les réponses des créatifs.

Kateryna Bilak – Graphiste indépendante

Behance de Kateryna et Instagram

Une fois, on m’a demandé de créer une nouvelle brochure d’introduction pour la Faculté de design graphique, où j’étudiais. J’étais déterminé à y mettre toutes mes compétences et connaissances acquises, mais aussi à apporter quelque chose de frais, de nouveau et d’inhabituel – quelque chose de pas ennuyeux mais d’engageant et d’expressif, vous voyez ?

La principale solution que j’ai utilisée pour donner vie à cette idée a été de créer des illustrations dans mon propre style dynamique mais simple pour presque tout le contenu de la brochure – à la seule exception de quelques photos. J’ai également choisi de n’utiliser que trois couleurs : le noir et blanc de base et l’orange vif. Tout cela a donné à la brochure un aspect très graphique, minimaliste et caricatural – un peu le résultat que je visais.

Au début, le personnel du corps professoral n’aimait pas l’idée que la brochure soit si performative et bruyante. Ils pensaient que cela pourrait distraire les lecteurs de son objectif principal. Mais plus tard, par rapport aux conceptions suggérées par d’autres étudiants, mon travail s’est vraiment démarqué. Le problème, c’est que même si les autres œuvres étaient bien faites, elles se sont avérées assez inintéressantes, conventionnelles et surchargées de texte – pas exactement le genre de chose que l’on attend d’un département de design.

C’est à ce moment-là que le personnel de l’université s’est rendu compte que mon travail offrait non seulement une solution pratique, mais exprimait également une idée – une vision de ce que le design peut être et de ce qu’il peut faire pour ceux qui entrent dans le programme. Ce qu’ils peuvent être et faire.

Le design de ma brochure a été utilisé pour l’événement Open Doors, et j’espère vraiment avoir réussi à inspirer de nouveaux étudiants à explorer leur potentiel.

[Lorsque je choisis entre quelque chose de nouveau et quelque chose qui fonctionne], je m’efforce toujours de créer quelque chose d’unique mais compréhensible dans mon travail. J’aime faire de l’art que les gens peuvent réellement utiliser. Essentiellement, c’est ce qu’est le design. Cela nous amène à la question : « Comment mon travail sera-t-il utilisé exactement ? »

Le design a toujours une raison, et sur cette base, vous pouvez décider d’essayer quelque chose de nouveau et d’audacieux, ou s’il est préférable de ne pas en faire trop. Vos clients peuvent vous fournir toutes les informations nécessaires pour vous aider à comprendre l’objectif de votre design. Mais ils ne sont pas toujours ouverts à l’expérimentation, même si celle-ci pourrait jouer un rôle crucial dans l’amélioration de leur projet. Dans de tels cas, c’est à vous de leur montrer les opportunités que votre travail peut offrir.

Il est important de comprendre si vos idées sont appropriées ou non. Vous pouvez le faire en analysant l’audience du projet, ses objectifs et la confiance du client dans vos décisions. Cela fonctionne pour moi !

Mon conseil aux [nouveaux designers] serait de ne pas oublier que tout ce que vous faites dans votre design doit avoir un sens. Les visuels et le message doivent être en corrélation dans tous les aspects de votre travail, ce qui garantit une communication claire.

Si vous pouvez amplifier le message de manière nouvelle, intéressante et créative, pourquoi ne pas l’essayer ?

Mais si ces idées audacieuses ne transmettent pas le message et sont incarnées juste pour le plaisir, elles peuvent en fait faire obstacle à la création d’un design significatif.

Yuliia Kotsar – Graphiste

Behance et site web de Yuliia

Probablement, la meilleure solution à ces questions est mon récent projet pour la marque ArteFrost. C’est une marque de thé froid avec un concept vraiment intéressant : chaque boisson correspond à un type de consommateur spécifique. J’ai créé quatre labels pour eux, chacun représentant des groupes comme les carriéristes, les rebelles, les hédonistes et les activistes.

Le plus cool, c’est que le client m’a laissé une liberté totale. Aucune restriction du tout – « faites-le comme vous le ressentez ». Et j’y suis allée à fond : des couleurs vives, des images un peu décalées, chaque étiquette a son propre caractère. La réaction a été très positive. Le client était ravi, a dit que les étiquettes semblaient « prendre vie » et transmettaient vraiment l’idée de la marque. Les retours du public ont été excellents – beaucoup de gens ont écrit des choses comme « c’est totalement moi ». C’était un risque, mais il a payé.

[Décider de la voie à suivre,] Je commence toujours par une analyse de la tâche et de l’auditoire. S’il s’agit d’un projet où l’intuition et la perception rapide sont essentielles, il est souvent préférable de s’en tenir à des approches éprouvées pour éviter de compliquer l’interaction. Mais s’il s’agit de quelque chose de vibrance, d’émotions, de reconnaissance, comme ArteFrost, alors j’essaierai certainement quelque chose de nouveau. C’était tout simplement un crime de ne pas être créatif là-bas.

Je prends aussi en compte la réaction du client : s’il est ouvert aux nouvelles idées, cela lui donne plus de liberté. Mais même lorsqu’il y a certaines limitations, vous pouvez trouver un équilibre en ajoutant quelque chose de nouveau dans une structure familière. La clé est que ce ne soit pas seulement « beau », mais que cela fonctionne.

Mon principal conseil est de toujours se rappeler la fonction du design. La créativité, c’est bien, mais si le design ne sert pas la communication, il perd son sens. Donc, avant d’ajouter quelque chose de nouveau, il est important de vous demander : « Cela aide-t-il à mieux transmettre l’idée ? »

Une autre chose importante est l’étude des références. Recherchez comment d’autres designers intègrent des solutions innovantes dans des concepts clairs. Et n’ayez pas peur de tester les choses : parfois, la meilleure façon de trouver l’équilibre est d’essayer quelques options et de voir laquelle fonctionne le mieux.

En parlant d’intégration de solutions innovantes, en voici une pour simplifier votre processus d’approbation de conception. C’est l’outil d’épreuvage en ligne Approval Studio. Il vous permet de partager des designs, de laisser des annotations directement sur les visuels, de comparer les versions dans 4 modes différents et de garder toute l’équipe sur la même longueur d’onde (et dans la même chronologie). Plus de chaos « Est-ce la version finale-finale ? ». Des approbations plus fluides, des délais d’exécution plus rapides et moins d’e-mails passifs-agressifs.

Que vous conceviez avec votre cœur, votre brief ou une combinaison sauvage des deux, Approval Studio est là pour vous.

Daniela Barrio de Mendoza – Directrice artistique

Le behance et le site web de Daniela

C’était un projet très intéressant du programme de master, dans le cadre d’un cours enseigné par le fondateur d’Intertype Studio. Bien qu’il ne s’agisse pas d’un vrai client ou d’un brief, nous avons conçu quelque chose de complètement hors du commun pour la catégorie des boissons alcoolisées. C’était un projet stimulant et amusant, car nous avons dû redéfinir l’image de marque et concevoir l’emballage d’une marque de tequila mexicaine… Et le hic, c’est qu’il fallait le faire en seulement 3 jours, sur la base d’un tout nouveau processus du studio !

Les gens qui l’ont vu et le professeur lui-même ont été époustouflés. Ils n’arrivaient pas à croire qu’une telle chose ait été réalisée en si peu de temps, et encore moins avec une idée et un design aussi peu conventionnels. Et un résultat charmant a été qu’il s’est retrouvé finaliste aux Pentawards 2024 !

C’était incroyablement motivant et cela nous a donné envie de continuer à concevoir des projets avec ce genre de potentiel et de liberté créative ! Tellement rafraîchissant pour tout créatif.

Au fur et à mesure que nous avançons dans l’ensemble du processus de conception (briefing, lancement, étude de marché, audits, etc.), nous commençons à mieux comprendre le public et pouvons extraire des informations et reconnaître plus clairement leurs comportements et décisions d’achat. C’est à ce moment-là que nous commençons à prendre des décisions visuelles, en exprimant toujours le concept de la marque et en parlant le langage du public cible.

Il n’est ni fonctionnel ni stratégique de créer un design hautement disruptif qui casse les codes des catégories si le public ne le comprend pas.

Mais il y a aussi l’autre côté : si, en tant que designers, nous ne commençons pas à prendre des risques… Alors qui le fera ? Cela peut sembler un peu cliché, mais je vous encourage à suivre l’intuition de votre designer. Nous l’avons tous ! Mais parfois, il faut de la pratique pour apprendre à l’écouter, à le comprendre et à ne pas avoir peur lorsqu’il nous entraîne sur un chemin opposé à ce que nous pensions au départ.

Soyons honnêtes, il y a aussi des clients qui viennent nous voir avec une idée très fixe en tête, avec des références solides et des concepts établis. Tant que nous avons la liberté créative et que nous sommes prêts à persuader et souvent à éduquer le client en utilisant le langage du designer, alors plongeons-y. Si ce n’est pas le cas, il est également acceptable d’emprunter la voie la plus traditionnelle et la plus sûre. Les projets les plus distinctifs et les plus libres d’esprit viendront avec le temps.

[En ce qui concerne le conseil,] Je comprends tout à fait à quel point il peut être déroutant pour tout designer, en particulier ceux qui pensent en images et communiquent par des méthodes visuelles, de ne pas perdre de vue le message original en faveur de l’esthétique ou de l’expérimentation.

Mais nous devons entraîner le jugement de notre concepteur et apprendre à trouver l’équilibre entre « ce que nous faisons et ce que nous disons ». Je sais, cela peut sembler un peu psychologique, non ? Mais ce que je veux dire, c’est que notre langage visuel et nos techniques de conception doivent toujours s’aligner sur le message central qui les sous-tend. Le design va au-delà de l’esthétique : il doit être fonctionnel et servir un objectif. (Bien sûr, je parle ici de projets basés sur le client, car le design peut aussi être une forme d’expression.)

Un beau design ne fera pas grand-chose pour votre client si le message n’est pas clair ou se perd. Et soyons honnêtes, il y a tellement de subjectivité dans le design que nous devons constamment nous demander : Est-ce que je comprends cela simplement parce que je l’ai fait ? Mon public comprendrait-il aussi ? Ma mère comprendrait-elle ? Peut-être que ce ne sont pas des questions que nous nous posons souvent, surtout lorsque notre ego créatif bien-aimé veut prendre les devants. Parfois, cet ego ne nous laisse pas voir que le message ne passe pas clairement, ou que le design, même s’il nous semble unique en son genre, ne fait peut-être pas le travail qu’il doit.

Mais c’est probablement une toute autre conversation…

Revenons au point principal : ne perdons pas de vue le message central juste pour l’esthétique. C’est notre travail (et je dirais même que c’est un défi dis-le quotidien) : trouver l’équilibre entre la beauté, la fonction et la valeur commerciale.

Comment pouvons-nous faire cela ? En voyant des tonnes de références ! Et pas seulement sur Pinterest : regardez des films, allez à des concerts et observez comment les gens réagissent émotionnellement. Faites attention à ce qu’ils ressentent et réagissent. Cette connexion nous aide à comprendre nos projets à un niveau plus profond.

En fin de compte, l’image de marque et l’emballage sont émotionnels, ils créent des expériences mémorables. Et pour bien les concevoir, nous devons comprendre ces émotions afin de les communiquer de la meilleure façon possible.

Violetta Derlemenko – Graphiste et illustratrice

Le behance et le dribble de Violetta

Au fil des ans, mon style artistique a évolué pour devenir quelque chose qui m’est propre. Il a été façonné naturellement par mes expériences, mes inspirations et les innombrables heures que j’ai passées à créer. J’ai toujours été fasciné par les personnages audacieux, expressifs et mémorables – ce genre de visuels qui attirent votre attention et retiennent votre attention, vous donnant envie de regarder de plus près et d’explorer chaque détail.

Je me souviens encore de mon tout premier cours de design graphique. L’instructeur m’a dit quelque chose qui m’a marqué : peu importe à quel point mes œuvres étaient différentes en termes de thème ou de style, il pouvait toujours reconnaître ma touche de signature. Ce commentaire est resté gravé dans ma mémoire et, avec le temps, j’ai commencé à comprendre ce qu’il voulait dire. Mon style ne consiste pas à m’en tenir à une seule esthétique, mais à ma façon de voir et d’interpréter le monde.

Mais comme tout créatif le sait, faire la même chose encore et encore, même si c’est votre passion, peut commencer à sembler répétitif. Il est arrivé un moment où j’ai réalisé que m’en tenir trop à mon approche « habituelle » me limitait. J’ai donc pris la décision consciente d’expérimenter davantage. J’ai commencé à essayer des designs minimalistes, puis je me suis poussé dans l’autre direction avec des compositions très détaillées. Je suis sorti de ma zone de confort, même si je n’étais pas sûr de la façon dont il serait reçu.

À ma grande surprise, mon auditoire a réagi positivement. Les gens ont apprécié la variété et la prise de risque. Mais honnêtement, même s’ils ne l’avaient pas fait, je l’aurais quand même fait. Parce qu’en fin de compte, je crée non seulement pour faire plaisir aux autres, mais aussi pour me mettre au défi, pour grandir et pour rester connecté avec la joie du processus. L’art, pour moi, est une question d’évolution constante.

L’une des leçons les plus importantes que j’ai apprises est la suivante : n’ayez pas peur d’essayer quelque chose de nouveau. Qu’il s’agisse d’un style que vous n’avez jamais essayé auparavant, d’un outil que vous ne connaissez pas ou d’une direction de conception complètement différente, tout cela fait partie de votre voyage. Chaque expérience, chaque échec, chaque petit succès devient un élément constitutif.

La croissance créative ne se fait pas en ligne droite. Parfois, les projets qui vous font le plus peur sont ceux qui feront passer votre travail au niveau supérieur. Si vous voulez prospérer dans le design, vous devez être flexible. Vous devez explorer différentes approches, non seulement pour le développement professionnel, mais aussi pour votre propre inspiration. Sinon, il est facile de s’épuiser ou de se sentir bloqué sur le plan créatif.

Si je pouvais partager quelques conseils qui m’ont aidé personnellement, ce serait :

Gardez un carnet de croquis et utilisez-le quotidiennement.

Dessinez tout : votre environnement, vos émotions, les choses qui éveillent votre curiosité. Le carnet de croquis est votre terrain de jeu créatif. Ne visez pas la perfection. Qu’il soit désordonné, imparfait, brut. La liberté de faire des erreurs est essentielle. Au fil du temps, cette habitude quotidienne devient un trésor d’inspiration – vous vous retrouverez à revenir à d’anciennes pages et à en tirer des idées pour vos futures créations.

Pensez stratégiquement lors de la construction de votre portefeuille.

Avant de créer de nouvelles pièces, posez-vous la question suivante : avec qui est-ce que je veux travailler ? Quels types de clients ou d’industries me passionnent ? Créez ensuite des designs qui s’adressent directement à eux. Il est préférable d’avoir 3 projets très détaillés et réfléchis plutôt que 10 projets génériques. Faites en sorte que chaque pièce compte. Si vous n’avez pas encore de vrai travail avec un client, recherchez des briefs de conception en ligne – il existe de nombreuses pages et plateformes Instagram qui publient des défis hebdomadaires. C’est un excellent moyen de développer vos compétences et de faire voir votre travail par les autres.

Commencez à accepter des projets clients même si vous êtes nerveux.

Tout le monde commence quelque part. N’ayez pas peur de vos premières commandes. Soyez professionnel, mais aussi honnête. C’est bien de poser beaucoup de questions à un client, cela montre que vous vous souciez de bien faire les choses. Si quelque chose n’est pas clair, demandez à nouveau. Une communication claire est primordiale. Les clients apprécieront votre souci du détail et votre volonté de comprendre leur vision.

Réflexions finales

Ainsi… Vaut-il mieux être innovant ou compris ?

Eh bien, il s’avère que la meilleure façon de contourner est le juste milieu : vous devez manœuvrer la créativité avec clarté. Comme l’ont partagé nos designers vedettes, la clé est de comprendre le public et de rester connecté au message principal. L’audace est une bonne chose, mais elle ne fonctionne que si le design communique efficacement. Et n’oubliez pas : le design ne consiste pas seulement à créer quelque chose de beau, il s’agit de faire en sorte que quelque chose fonctionne. Le brief du client et votre instinct créatif ? Ils n’ont pas besoin d’être des ennemis. Le secret est de savoir quand repousser les limites et quand les remonter.

Un grand merci à nos formidables créatifs pour être restés réalistes et avoir partagé leur sagesse avec nous. Leurs voyages nous rappellent que si la créativité est l’âme du design, la clarté est ce qui la fait vraiment résonner.

Envie de partager votre expérience ? Nos portes sont grandes ouvertes à tous les créatifs qui souhaitent participer aux Creative Talks suivants ! Contactez-nous via [email protected].

Jusqu’à la prochaine fois, et que les chances soient toujours en votre faveur !