Comic-Workflow: Wie entstehen Comics?

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Alles Gute zum Internationalen Tag der Comics (der am 25. September war. Wir sind spät dran, wir wissen)!

jedenfalls… Was ist der schönste Weg, um zu feiern, als Ihnen einen Blick hinter die Kulissen (oder sollte ich hinter die Panels) der Comic-Entstehung zu werfen?

Seit ich ein kleines Kind war, interessiere ich mich für Comics. Ich meine, wer war das nicht? Ich habe immer noch einen ganzen Stapel Donald-Duck-Comics im Haus meiner Eltern und ein paar andere in meinem Bücherregal direkt neben mir. Mit dem Interesse kamen jedoch auch viele Fragen auf. Wie stellen Künstler sie her? Kann ich auch eine erstellen? Was soll ich zuerst tun? Werde ich das alleine schaffen können? Diese und so viele andere schossen in meinem Kopf heraus wie frisch gemachtes Popcorn. Und jetzt, nach einigem Graben, kann ich Ihnen und meinem früheren kindlichen Ich alle Geheimnisse über den Comic-Workflow erzählen.

Was ist ein Comic?

Ich glaube, dass das Verständnis der Definition und der Struktur von Comics der erste Schritt ist, um den Entstehungsprozess von Comics zu verstehen.

Sie wissen wahrscheinlich, dass Comics eine Form der Kunst sind, aber um genauer zu sein, wird sie als eine Form der „nachfolgenden Kunst“ definiert. Ich weiß, dass viele Leute bei Filmen oder Animationen an Filme oder Animationen denken, und sie haben völlig Recht – es ist ein Teil davon. Comics sind ein weiteres. Und ich glaube, wir sollten klären, was die nachfolgende Kunst ist, bevor wir weitermachen.

Nachträglich bedeutet dasjenige, das in Zeit, Reihenfolge oder Ort folgt. Um es einfach auszudrücken: Wenn Sie ein Bild zeichnen, erhalten Sie eine Illustration; Wenn man jedoch zwei aufeinanderfolgende Bilder nebeneinander zeichnet – man erhält einen sequenzierten Comic, und wenn man diese aufeinanderfolgenden Bilder nacheinander im selben Raum zeigt – erhält man einen Film. Man könnte Comics sogar als älteren Bruder des Films bezeichnen, oder als Animation, da einer der ältesten Comics vor 32 Jahrhunderten für das Grab von „Menna“ gemalt wurde („Understanding Comics: The Invisible Art“ von Scott McCloud).

Die Hauptbestandteile der Standard-Comic-Doppelseite sind also:

• Panel – ist eine Illustration für einen Moment, die normalerweise eine Stelle in der Zeitleiste zeigt. Laut Ira Marcks könnte es in 4 Unterelemente unterteilt werden („Drawing Comics: A Beginner’s Guide“):
  • Rahmen – eine Linse (keine Box), durch die Sie Ihren Charakter sehen. Man könnte es mit dem Fenster in die Welt deiner Charaktere vergleichen.
  • Sprechblasen – Text auf der Doppelseite, der die Dialoge und andere beschreibende Elemente enthält. Er hat in der Regel einen Schwanz und wird hinter der Figur, aber über dem Hintergrund platziert.
  • Charaktere – die Haupt- und Nebenhelden der Geschichte. Zum größten Teil alles, was „lebendig“ und in die Handlung involviert ist.
  • Einstellungen – Zeit und Ort Ihrer Comics. Dies ist das Umfeld, in dem Ihre Geschichte stattfindet und sich entwickelt.
• Inszenierung – ist die Art und Weise, wie Sie die Unterelemente auf dem Comic-Panel organisieren.
• Bundsteg – ist ein Raum zwischen den Comic-Panels.

Von den Watchmen mit allen Elementen der Comic-Seite, die hervorgehoben sind.

Das letzte wichtige Element, das nicht Teil der Doppelseite ist, sondern die Art und Weise, wie Comics wahrgenommen werden, ist die Schließung. Verschluss ist die Fähigkeit des Gehirns, die Lücken zu füllen, in unserem Fall die Dachrinnen. Stellen wir uns vor, in einem Panel siehst du ein Telefon klingeln, und das nächste Panel zeigt, dass ein Charakter das Telefon gegen die Wand wirft. In diesem Fall verwendet unser Gehirn einen Verschluss, um sich vorzustellen, dass die Figur das Telefon abgenommen und zerschlagen hat. Was ist interessant: Hat die Figur telefoniert, bevor sie es geworfen hat? Niemand weiß es. Dies ist ein Moment, in dem sich die Leser aktiv am Geschichtenerzählen beteiligen, denn es liegt nur an ihnen, was zwischen den Panels passiert ist.

Schritte zum Erstellen eines Comicbuchs

Nachdem dies alles Erwähnte getan hat, gehen wir zum nächsten Teil dieses Artikels über – dem Comic-Workflow.

Egal, ob du ein Einzelkünstler oder ein ganzes Team von Kreativen bist, diese Schritte können sich ineinander verflechten oder verschoben werden. Wenn Sie ein Solo-Comic-Autor sind, müssten Sie natürlich die Phasen nacheinander durchlaufen, während ein Team an mehreren Phasen gleichzeitig arbeiten kann. Außerdem ist es in großen Unternehmen ein Industriestandard, getrennte Personen für separate Schritte zu haben. Zum Beispiel sind der Schreiber, der Skizzierer, der Freizeichner, der Letterer usw. alle für ihren Teil des Arbeitsablaufs verantwortlich. Auch im weniger umfangreichen Comic-Entstehungsprozess liegt das Duo aus Autor und Zeichner im Trend, da der eine für die Geschichte und der andere für die Optik verantwortlich ist.

Die folgenden 7 Stufen sind nur ein Überblick über die Entstehung der typischen Comics.

• Schrift
• Skizzieren
• Einschwärzung
• Färbung
• Beschriftung
• Bearbeitung
• Postproduktion

Schrift

Alles beginnt mit ein paar Worten oder einer einfachen Idee. Das Schreiben (oder die Erstellung von Konzepten) ist der erste Schritt, der definiert, worum es in deinem Comic gehen wird und was die Charaktere und Schauplätze sind. Dies ist auch der Teil, in dem man die Handlung und die Art und Weise, wie sich die ganze Geschichte in den Augen des Lesers entfalten und entwickeln wird, herausfindet. Ich glaube, diese Phase hat die größte kreative Freiheit, da man von der leeren Seite ausgeht, auf der alles zu jedem Zeitpunkt passieren kann, ohne jegliche Einschränkungen.

„Die Handlung von Comics besteht, wie in jeder anderen narrativen Kunstform, in der Regel aus drei Phasen. Der erste ist die Einführung der Charaktere, der Schauplätze und der Stimmung. Die zweite Phase dreht sich um die Entwicklung der Charaktere, Herausforderungen und endet mit einem Höhepunkt. Die dritte Stufe schließlich ist eine Auflösung nach dem Höhepunkt, die zeigt, was die Figuren auf ihrem Weg gelernt haben.“

Neil Gaiman für Masterclass

Nachdem Sie mit dem Schreiben Ihrer Geschichte fertig sind, kommt das Skripting ins Spiel. Es gibt zwei Möglichkeiten, Ihre Geschichte auf den nächsten Schritt in dieser Kreativbranche vorzubereiten: vollständiges Skript und Plot-Skript. Das vollständige Drehbuch (auch als DC-Stil bezeichnet) ähnelt einer detaillierten Roadmap der Geschichte, sehr ähnlich wie bei den Filmdrehbüchern, in denen jede Bewegung und Nuance beschrieben wird. Auf der anderen Seite ist das Plot-Skript (auch bekannt als Marvel-Stil) eine Story-Skizze, bei der die Künstler an den kleineren Elementen arbeiten, während sie das Comicbuch zeichnen, und erst nachdem die Kunstwerke fertig sind, kommt der Autor hinzu und fügt die Dialoge hinzu.

„Ich beginne ein Projekt immer damit, das Ende herauszufinden. Das ist ein ernsthaftes Unterfangen, und es braucht Zeit, um mit den Charakteren zu spielen und sich eine Reise vorzustellen. Es ist nicht schwer, und normalerweise kommt das Ende in einem emotionalen Moment der Inspiration, aber ich muss darauf warten… denn bis dahin weiß ich nicht, ob die Geschichte es wert ist, erzählt zu werden. Erst dann gehe ich zurück und fülle eine Gliederung aus, die die Comicfiguren leitet und zu dieser Schlussfolgerung führt.“

Jeff Smith für Comic Alliance

Skizzieren

Mit dem fertigen Skript als Grundlage für die Kunstwerke beginnt der Skizzenprozess . Es ist üblich, mit der Miniaturansicht der Panels, Dachrinnen und Staging zu beginnen. Die meisten Künstler arbeiten an der Variation von Ideen und stellen mehrere Stücke derselben Doppelseite her, um die beste visuelle Darstellung des Tempos und der Entwicklung der Handlung zu erzielen. Einige Künstler überspringen jedoch den Prozess des Miniaturbildes und beginnen sofort mit der Illustration der gesamten Comics, wobei sie die Komposition nach und nach ausarbeiten. Alles in allem ist das Skizzieren der Ort, um Worte in Bilder zu verwandeln.

„Nun, das erste, was ich tue, ist, dass ich entweder ein vollständiges Drehbuch habe, das ich geschrieben habe, oder ich habe ein Drehbuch von jemand anderem erhalten. Und ich erstelle Miniaturansichten aus diesem Skript. Dann setze ich mich an den Bleistift. Ich habe mein Papier zugeschnitten, und ich habe den Bildbereich mit einem T-Quadrat, Bleistift und Lineal ausgeschlossen. Eine Sache, die meiner Meinung nach möglicherweise zu kurz kommt, wenn es um das Bleistiftzeichnen geht, ist der Designprozess. Jede Comic-Figur, jeder Comic-Hintergrund, alle Kostüme, alle Requisiten müssen zuerst entworfen werden. Und darauf beziehe ich mich, während ich jedes Panel in dieser Szene mit Bleistift zeichne.“

Eric Shanower für Coursera

Einschwärzung

Viele Menschen stellen sich das Freihandzeichnen als Nachzeichnen vor. Nun, das ist nicht ganz richtig, da die Tuschezeichner die Skizze nicht genau nachzeichnen, sondern eine neue Zeichnung darüber anfertigen. In dieser Phase sichten die Künstler ihre Skizzen, korrigieren mögliche Zeichenfehler, entfernen die unnötigen Elemente, arbeiten an den Details sowie an Licht und Schatten. Das Freizeichnen wird in der Regel als Verfeinerung der Skizze bezeichnet. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass es den ersten Eindruck hinterlässt, da die Tusche den Stil repräsentiert, in dem Sie arbeiten.

„Für mich besteht die Hauptaufgabe des Tuschezeichners darin, die Bleistifte zu nehmen und sie klar und lesbar zu machen. Wenn Sie mit der Seite fertig sind, sollte sie in der Lage sein, in Schwarzweiß für sich selbst zu stehen, bevor die Farben hinzugefügt werden. Sie möchten immer verstärken, was der Bleistiftzeichner auf die Seite schreibt. Man versucht herauszufinden, was die Stärken des Bleistiftzeichners sind, baut darauf auf und versucht, die schwächeren Teile auszugleichen.“

Mark Morales für Comics Beat

Färbung

Künstler färben die fertige Linienführung in einer separaten Phase ein, um mit den Farben das bereits fertige Stück zu intensivieren und zu „krönen“. Außerdem verwenden viele Künstler Farbdesign, um eine Stimmung zu erzeugen oder das Panel hervorzuheben. Stell dir vor, du hättest einen Schwarz-Weiß-Comic mit nur ein paar bunten Objekten, die zur Wendung der Handlung beitragen. In diesem Fall erzählt die Farbe eine Geschichte für sich und lässt die Elemente hervorstechen, ohne die Comics überhaupt zu lesen. Manchmal werden Farben und begrenzte Farbpaletten als Signatur des Koloristen verwendet. Natürlich ist das Ausmalen für viele Schwarz-Weiß-Künstler aus offensichtlichen Gründen ein optionaler Schritt.

„Ich lese das Drehbuch immer, um zu sehen, ob der Autor irgendwelche Farbnotizen hat, und um ein Gefühl für die Stimmung jeder Szene zu bekommen. Dann zerlege ich die Geschichte in Szenen und erstelle für jede eine Palette. Ich achte darauf, dass sich die Paletten unterscheiden, damit der Comic-Leser sofort weiß, dass sich die Szene und/oder die Zeit geändert hat. Was die Inspiration angeht, so kommen mir einige Cover- und Szenenpaletten einfach sofort in den Sinn, und andere brauchen Zeit und sogar Experimentieren, um sicherzustellen, dass sie funktionieren.“

Alex Sinclair für Adobe

Beschriftung

Und das letzte Puzzleteil bei der Entstehung des Comics ist die Beschriftung. Unabhängig davon, wie gut die Linienführung und die Farbgebung sind, lassen sich manche Dinge am besten durch Worte vermitteln. In dieser Phase fügen die Letterer den gesamten Text hinzu, den Sie in den Comics sehen: Dialoge, Beschreibungen und ansprechende CRASHes oder WHOOSHes. Was eine große Wirkung hat, ist, dass Bilder und Buchstaben in Comics nebeneinander existieren und einander Bedeutung und Dimension verleihen. Deshalb arbeiten Letterer sowohl mit Künstlern als auch mit Schriftstellern eng zusammen, um diese Balance zu wahren.

„Schriftzüge sind nicht unsichtbar. Der Leser schaut beim Lesen eines Comics die meiste Zeit direkt auf den Schriftzug. Je konsistenter es also ist, desto leichter kann der Leser in das Geschehen im Buch eintauchen, ohne zu bemerken, was wir getan haben, um dies zu erleichtern – wie die Platzierungen sie durch die Seite navigieren und von einer Szene zur nächsten führen. Wir machen es dem Leser leichter, den Schriftzug ohne nachzudenken zu akzeptieren, so dass wir die Barriere zwischen dem Skript und der Kunst senken können.“

Ariana Maher für Comics Bücherregal

Bearbeitung

Wenn die vorherigen Schritte abgeschlossen sind, sollten Sie ein fertiges Comicbuch in den Händen oder auf dem Computer haben. Naja, fast fertig. Auch wenn das Lektorat mit jedem Aspekt der Erstellung der Comics verwoben ist (Überprüfung des Schreibens oder Einfärben der Skizze), ist der endgültige Schnitt derjenige, der die sorgfältigste Arbeit erfordert. Die Künstler gehen jede Tafel, jedes Wort, jede Zeichnung durch, um sicherzustellen, dass alles eine gültige Darstellung dessen ist, was sie wollen, ohne törichte Fehler.

„Ich denke, es gibt viele Prozesshybride. 80% der Arbeit entsteht, bevor ein Bleistift das Papier auf dem Zeichentisch berührt. Um einen Comic zu machen, braucht man also ein paar Jahre Teilzeit-Schreiben, die Dinge natürlich entstehen zu lassen und sich langsam ein bisschen mehr zu konzentrieren. Dann mache ich im Grunde sehr grobe Skizzen von jeder Seite des gesamten Buches, um ein Gefühl für den Umfang, den Maßstab und die Größe zu bekommen. Jede Seite, die Sie lesen, ist etwa 5 Seiten Arbeit wert.“

Nate Powell für WTIU

Zweifellos ist die enge Zusammenarbeit mit der Comic-Doppelseite unter Künstlern wertvoll. Glücklicherweise haben wir ein Tool, das Ihnen selbst bei den kleinsten Änderungen leicht helfen kann. Approval Studio verfügt über 4 KI-gestützte Vergleichsmodi, die nicht einmal 1px Unterschied übersehen. Sie können es 14 Tage lang kostenlos ausprobieren und eine Fülle weiterer hilfreicher Funktionen für die Genehmigung Ihrer Kunstwerke testen.

Postproduktion

Ich weiß, Postproduktion ist ein Filmbegriff, aber er fasst perfekt zusammen, was ich in dieser Phase der Comic-Erstellung beschreiben werde. Wenn Ihr kostbares Baby fertig ist, ist es an der Zeit, es mit der Welt zu teilen. Druck, Vertrieb, Marketing, Online-Kampagnen, Teilen auf Instagram – all dies ist die Postproduktion, die den Menschen hilft, Ihre Comics zu entdecken und zu lesen. Im Grunde ist es eine Art und Weise, wie Comics aus Ihrer Schublade in die Hände des Comic-Lesers gelangen. Dieser Schritt ist nicht so kreativ wie die vorherigen, aber meiner Meinung nach sehr notwendig, um Ihre Kunst zu verbreiten.

Nützliche Ressourcen und Inspirationen

Ich habe mich entschieden, eine Liste von Ressourcen mit hilfreichen Informationen über die Welt der Comic-Kunst aufzunehmen.

• Comic Making Kurs – hier
• Comics Archiv – hier
• Das Comic Journal – hier
• Wie man Comics zeichnet – hier

Außerdem hat das Approval Studio Team diese Top-6-Comics ausgewählt, die wir für atemberaubend halten und die es wert sind, einen Blick darauf geworfen zu werden!

Abschließende Gedanken

Leider neigt sich die Tour hinter die Kulissen dem Ende zu. Wie Sie sehen können, haben Comics, wie jede nachfolgende Kunst, die ungewöhnliche Fähigkeit, die Geschichte durch eine einzigartige Mischung aus Worten und Zeichnungen zu erzählen. Am wichtigsten ist, dass der 7-stufige Prozess der Comic-Erstellung zeigt, wie viel Arbeit und Mühe Comic-Autoren in eine Doppelseite stecken, ganz zu schweigen von dem gesamten Comic-Buch. Was mich jedoch immer wieder beeindruckt, ist, dass die Leser auch aktiv an der Wiederbelebung der Geschichte beteiligt sind, was sie zu einem untrennbaren Bestandteil der Comics macht.

Ich hoffe, dieser Artikel hat dich dazu inspiriert, ein paar Comics zu lesen oder sogar einen eigenen zu erstellen.

Wie immer würden wir uns über Ihr Feedback zu diesem Artikel freuen, und wenn Sie an Approval Studio interessiert sind, beantworten wir hier gerne alle Ihre Fragen.

Pass auf dich auf!